Interview: Ron Arad in der Opera Gallery, „Don't Ya Tell Henri“

Aug 07, 2023

Das Sonnenlicht wirkt elastisch in der Lobby der Opera Gallery in Upper Manhattan. Es schießt durch die Glasfassade und kollidiert mit einer Reihe kristalliner Harzsessel; etwas Blau, Bernstein und Schwarz. Das Frühlingslicht dringt in wilden, brechenden Strahlen in die transparenten Objekte ein und aus. Alles an den Möbeln liest sich wie ein Widerspruch: Sie sind zart gefärbt wie mundgeblasenes Glas, können aber große Gewichte tragen. Sie befinden sich in einer Galerie – diesem vermeintlich heiligen Raum –, aber jemand sitzt auf dem harten Kissen mit dem Segen seines Schöpfers Ron Arad.

Nach einem langen Gespräch mit dem in Israel geborenen und in London lebenden Künstler ist es angemessener, die Vorstellungen des Widerspruchs durch solche der Fluidität zu ersetzen. Seit mehr als 40 Jahren entwirft Arad Museen wie das Holon Design Museum, die wie Kunstwerke aussehen; gewundene Skulpturen, die nach seinen Worten bequem sein sollten; und Autos, die niemals auf eine Straße stoßen werden. Einige von Arads „Big Easy“-Stühlen wurden für sechsstellige Beträge versteigert, andere stehen in seinem Hinterhof; Ein anderes, das kürzlich für eine Retrospektive an das Centre Pompidou geliehen wurde, jetzt aber wieder in seinem Haus steht, dient als teuerstes Katzenbett der Welt.

Gibt es einen Unterschied zwischen Design und Kunst? Interessiert es irgendjemanden in einer Welt, in der Kunstmessen Lichtensteine ​​und Lampen anbieten? Interessanter ist es, die Beziehung zwischen Objekten und ihren Behältern oder die visuelle Semantik zu untersuchen, die bei der Versteigerung eines Objekts eine Rolle spielt. Arads Einzelausstellung in der Oper mit dem Titel „Don't Ya Tell Henri“ bietet eine gute Gelegenheit, über diese Themen nachzudenken. Der Titel ist nach Henri Matisse benannt, dessen radikale Cutout-Collagen seit langem ein Prüfstein für Arad sind. Viele Stücke der Ausstellung, darunter Neuauflagen seiner Big Easy Chair- und Tube-Sofas, reisten vom Genfer Außenposten der Galerie nach New York.

Es war, gelinde gesagt, nicht der reibungsloseste Installationsprozess: Der 72-jährige Arad fiel Tage vor der Eröffnung ins Koma und ließ sein Schicksal und das der Show in der Schwebe. Zum Glück erholte er sich (obwohl er die Eröffnung verpasste) und setzte sich später per Zoom mit ARTnews zusammen, um über seine Praxis zu plaudern. Das Gespräch wurde komprimiert.

ARTnews:Ich möchte keine übertriebene Frage stellen, aber wie geht es Ihnen?

Ron Arad: Mir geht es jeden Tag besser. Ich wünschte, es gäbe eine schnellere Besserung, denn meine Familie hat wirklich mehr gelitten als ich. Ich lag drei Tage lang im Koma und der Arzt verordnete mir 50/50. Aber ich habe das alles verpasst, genauso wie ich die Show verpasst habe.

Ich habe mich immer gefragt: Träumen Sie, wenn Sie im Koma liegen?

Nein, dann nicht. Es war, als hätten sie einen Schalter umgelegt, als ich aufwachte. Ich war mir nicht bewusst, dass ich geschlafen hatte, intubiert – nichts. Absolut gar nichts. Die Intensivstation ist wie Science-Fiction, voller toller Menschen aus aller Welt. Es war wie der Turm von Babylon. Es bringt einen zum Nachdenken: Was mache ich? [lacht] Sie leisten so wichtige, erstaunliche Dinge. Aber es tat gut, von dort in die Welt, nach Hause entlassen zu werden. Und hier bin ich.

Ich war noch nicht in New York, um die Show zu sehen. Nun, ich habe die erste Show gesehen, die wir in Genf veranstaltet haben. Den Titel der Show, „Don't Ya Tell Henri“, habe ich Dylan geklaut, er hat ein Lied in den Kellerkassetten. Ich bin mir sicher, dass Henri mit dem, was ich getan habe, sehr zufrieden wäre. Mir hat es in Genf wirklich gut gefallen, es hat mich wirklich aufgeheitert. Ideen sind nie ein Problem, das Problem ist, welcher Idee man seine Zeit widmet und welcher.

Wie viel von der Show steht im Dialog mit Matisse oder Dylan?

Es gibt ältere Stücke in der Show, wie „Big Easy“, ein Stück, das ich vor vielen Jahren zum ersten Mal gemacht habe. Diese Form kam mir immer wieder in den Sinn. Jedes Mal, wenn ich eine Idee hatte oder einen neuen Prozess startete, antwortete der Big Easy: „Ich!“. Ich werde Ihnen zeigen. Da ist einer in meinem Garten, siehst du ihn?

Ich habe mich schon immer dafür interessiert, wie sich ein Objekt in einer Galerie, draußen oder in einem Museum verändert.

Ich kann die Schönheit der Orte, an denen sich diese Stücke befinden, nicht für mich in Anspruch nehmen, die Natur passiert einfach. Aber ich habe es zumindest nicht verdorben, das ist mein Beitrag. Aber mal sehen, was passiert, da ist Ihre Absicht und dann, was tatsächlich passiert. Vor allem aber bin ich sehr dankbar für das, was das Material bewirkt. Es gibt so viele Dinge, die ich nicht selbst hätte tun können.

Kannst du meinen Bildschirm sehen?

Mhm.

Ich ging auf einen Schrottplatz und machte daraus ein Wohnmöbelstück. Damals hatte ich eher an Readymades und Fundstücke als an Möbel gedacht; das ist mein erster Stuhl. Als ich meine Retrospektive im Centre Pompidou hatte, habe ich ihnen dieses Stück geliehen. Als sie es bewegen wollten, schrie ich, nicht ohne weiße Handschuhe!

Mein geistiger Bezugspunkt war Action Painting. Nehmen Sie ein Stück Blech und fangen Sie an, darauf zu hämmern. Und jemand könnte fragen: Kann man den unteren Rücken stärker stützen? Klar, hier „bumm“.

Beim zweiten haben Sie den Vorteil. Ich habe diese Sammlung der Thinacture gemacht. Als ich dort meine Retrospektive hatte. All die Sitze, die sich noch nie begegnet waren, tun es endlich. Ich nenne sie die Volumenstücke, es gibt kein Skelett, nur Haut. Dies sind die ersten großen, einfachen Rahmen, die ich gelernt habe, als ich sie gemacht habe. Sie waren nicht die besten Schweißer, aber es gibt immer die Frage: Warum sollte alles perfekt sein? Warum sollten Dinge nicht die Qualität einer Skizze haben? Warum kann ein Möbelstück nicht wie ein Schmuckstück aussehen? Alles, was Sie tun müssen, ist, die Vorstellung davon zu ändern, was es ist.

Sie beabsichtigen also, dass Ihre Möbel immer genutzt werden?

Ja, Wenn man einen Stuhl baut, muss man darauf sitzen. Wenn Sie darauf sitzen oder jemanden darauf sitzen sehen, ist die Arbeit abgeschlossen. Das ist ein Glaube, der mich über die Jahre begleitet hat. Aber das hier hat ein Problem, wissen Sie? Die Kunstwelt und das Auktionshaus, jeder möchte alles unterteilen. Wenn man darauf sitzen kann, ist es keine Kunst.

Kürzlich, vor etwa einem Jahr, wurde bei Phillips ein Prototyp [eines Big Easy-Stuhls] für geschätzte 1,7 Millionen US-Dollar verkauft. Wenn in Europa ein Stück auf einer Auktion verkauft wird, geht ein kleiner Prozentsatz an die Künstler, aber in Amerika ist das nicht so. Das Auktionshaus sagte, es sei Design und keine Kunst – obwohl ich es in meinem Atelier gemacht habe.

Sie wollten Ihnen keinen Prozentsatz eines Verkaufs geben?

Weil du deinen Hintern hineinsteckst, weil sie nicht sehen können, dass das Teil der Kunst ist. Aber am Ende mussten sie es sehen. Ich mag es nicht, wenn mir jemand sagt, was ich tun soll. Man sagt vielleicht, dass es schön sein muss, aber was mir Spaß macht, ist der Einsatz anspruchsvoller Technologie, um das Produkt weniger maschinenähnlich aussehen zu lassen. Sie werden zu mir sagen: Das Letzte, was meine Kunden sehen sollen, ist ein Video [von dem Stück, das von einer Maschine gebaut wird]. Sie wollen sich mich wie Michelangelo vorstellen, mit Meißel und Hammer.

Was sagen Sie also, wenn Sie gebeten werden, sich als Künstler, Designer oder Handwerker zu definieren? Oder ist die Frage selbst reduzierend?

Ich mache mir nichts vor, wenn ich ein Stück für eine [Möbelfirma] mache, gibt es unterschiedliche Kriterien und unterschiedliche Ziele. Es geht um die Produktionskosten, die Menge – alles Mögliche. Aber für mich ist die Herstellung wichtig – wenn es ein Stuhl ist, muss er bequem sein. Aber ich brauche keinen Pass, um von einer Disziplin zur anderen zu wechseln; Ich baue auch Türme und Museen. Ich habe gerade eine Krebsstation entworfen. Ein Freund sagte mir einmal, man solle als Architekt ernst genommen werden und aufhören, Möbel zu machen. Ich stimme nicht zu.

Die Leute spalten dich gerne auf. Vielleicht wissen Leute, die über Architektur schreiben, nicht immer viel über Kunst; Menschen, die sich mit Kunst auskennen, kennen sich vielleicht nicht mit Architektur aus.

Um auf die Harzarbeiten im Opera zurückzukommen: Sie haben diese dynamische Beziehung zu Licht und Raum. Ich verstehe, dass Sie zum ersten Mal mit dem Material gearbeitet haben. Wie war der Prozess?

Ich habe mit diesem tollen Typen in Madrid zusammengearbeitet, der Jesús heißt. Vieles wurde online erledigt. Das erste Mal, dass ich tatsächlich eines sah, war in der Royal Academy. Es gibt nichts, was ich anders machen würde, aber wie zuvor ist es ein Dialog zwischen dem Willen des Künstlers und dem, was der Prozess und das Material für Sie bewirken werden.

Ich glaube, Sie haben einmal gesagt, dass Sie bei den Arbeiten „Ihren Willen anstrengen“ müssen, und vorhin haben Sie gesagt, dass Sie aus dem Material „herausziehen“, wie die Stücke aussehen werden. Es klingt alles nach einer antagonistischen Beziehung.

Nein, nein, es ist eine Liebesbeziehung. Kürzlich habe ich ein Stück gemacht, das von einem Spaziergang auf der Straße und dem Anblick der abgedeckten Autos inspiriert wurde. Sie möchten sich vorstellen, was sich unter der Decke verbirgt. Also dachte ich, ich würde zeichnen, was ich nicht sehe. Ich habe eine Skizze eines Morgan-Autos gemacht – eines sehr britischen Sportwagens, sehr ikonisch – und ich wollte es auf der Sommershow der Royal Academy zeigen, aber, wissen Sie, die Pandemie.

Egal, ob ich mit Technologie arbeite oder mit Handwerkern zusammenarbeite und es handgemacht ist, keines ist besser als das andere. Ich liebe sie gleichermaßen.

Und ich vertraue [den Handwerkern und Installateuren] voll und ganz, sie sind auch die Produzenten der Stücke. Ich wünschte, ich wäre dort, um die Show zu organisieren, vielleicht wäre es etwas anders, oder vielleicht wäre es besser, wenn ich nicht dort wäre.

Spüren Sie den Druck, Ihre Ideologie zu verteidigen?

Hier ist eine Debatte, und wir antworten darauf. Ich kämpfe mit niemandem, ich mache keine Dinge als Reaktion auf irgendjemanden, aber wenn man ein großes Stück Murmel macht, muss man darüber nachdenken, wohin es geht. Es wird nicht bei IKEA verkauft; die Herstellung ist sehr kostspielig. Oscar Wilde sagte: „Alle Kunst ist völlig nutzlos. Eine Blume auch.“ Das ist etwas mit Funktion.

Es gibt ein weiteres Zitat von ihm [„Es gibt nur zwei Arten von Menschen, die wirklich faszinierend sind – Menschen, die absolut alles wissen, und Menschen, die absolut nichts wissen“], das ich für die Show verwende: „Es gibt nur zwei Arten von Menschen: neugierig.“ Menschen und charmante Menschen. Das Gleiche sage ich auch über Objekte: Es gibt langweilige und aufregende Dinge.

Was ist also mit einem Objekt, das es spannend macht?

Manchmal liegt es am Material, manchmal an der Form. Die beste Idee – das „Tue ich es, tue ich es nicht?“ – der größte Test ist: Wenn ich in eine Galerie gehen und dieses Stück sehen würde, wäre ich dann neidisch? Wenn die Antwort nein ist, lasse ich die Idee fallen. Wenn wir uns auf den Grund konzentrieren, warum wir miteinander reden, das kristalline Harz, war das ganze Erlebnis aufregend.

Das Harz hat dieskomplexe Brechung. Ich versuche auch an einigen zu arbeiten, die Licht enthalten, und nicht auf die Sonne zu warten. Ich mag das Licht. Die Stücke in der Galerie – ich werde es Ihnen nicht verraten – einige gefallen mir mehr als andere.

Ich werde nicht drängeln, aber ich würde gerne wissen, was Ihr Favorit ist.

Okay, es ist das Schwarze. Aber vielleicht mögen einige andere mehr, das ist auch in Ordnung.