Nikki Columbus über das Kunstwerk im Zeitalter der mechanischen Reproduktion

Jun 03, 2023

MUTTERSCHAFT IST EIN TREND in der Kunstwelt – eine Renaissance, sozusagen, die es seitdem nicht mehr gegeben hat. . . Nun ja, die Renaissance. Mutterschaft galt lange Zeit als berufliches Risiko für junge Künstler und Kunstschaffende und wird von Frauen, die in höherem Alter Kinder bekommen, nachdem sie einen gewissen beruflichen Erfolg erzielt haben, als Thema angenommen – wie in den jüngsten Arbeiten von Camille Henrot, Tala Madani, und Laurel Nakadate. Das Motiv hat sich in thematischen Ausstellungen mit fantasievollen Titeln wie „Mothering“ (Museo Universitario Arte Contemporáneo, Mexiko-Stadt, 2021–22), „Mother!“ vervielfacht. (Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Dänemark, 2021), „Mother“ (Mason Exhibitions, Arlington, Virginia, 2022), „Motherhood“ (Oregon Contemporary, Portland, 2022) und „Design-ing Motherhood“ (2021– , mehrere Veranstaltungsorte), und es gibt immer mehr Bücher und Symposien, darunter „How Not to Exclude Artist Mothers (and Other Parents)“ von Hettie Judah (2022) und die zweitägige Konferenz „(M)otherhood: Art and Life“ in der Tate St . Ives in England (2023).

Die neueste Ergänzung dieser Liste konnte kürzlich im treffend benannten Museo MADRE (Museo d'Arte Contemporanea Donnaregina) in Neapel gefunden werden. Die von Florencia Cherñajovsky kuratierte Ausstellung „Think Tank: REPRODUCTIVE AGENTS“ versprach eine zukunftsweisende Perspektive, die berücksichtigen würde, wie Biotechnologien das Spektrum der Körper, die Leben erschaffen können, erweitert haben. Fast alle Werke wurden in den letzten fünf Jahren von einem internationalen Kreis von dreizehn Künstlern geschaffen. Warum sank mein Herz, als ich durch einen Raum nach dem anderen ging? Die Ausstellung griff auf offensichtliche Bilder zurück – hier und da aufgeblähte Bäuche, überall entkörperte Gebärmutter. Anstatt einen historischen Kontrapunkt zu bieten, sorgten etablierte Künstler für nicht viel mehr als Bekanntheit. „Schwangere Frau im Röntgenanzug“, eine Skizze von Lynn Hershman Leeson aus dem Jahr 1965, die in einem Flur feststeckte, wirkte wie ein Ersatz für ein interessanteres Werk der Künstlerin. Und obwohl sie ein visuelles Vergnügen boten, waren die erotischen Tuschezeichnungen des Op-Art-Pioniers Victor Vasarely aus den 1940er-Jahren eine mysteriöse Ergänzung. (Zählt eine Frau, die von einem Pferd gefickt wird, wirklich als „Hybridität“?)

Interspezies-Beziehungen wurden in Lucy Beechs 30-minütigem Video „Reproductive Exile, 2018“ ausführlicher untersucht, in dem untersucht wird, wie Fruchtbarkeitsbehandlungen durch „Frauenarbeit“ im gesamten Tierreich vorangetrieben werden. Wussten Sie, dass einige Medikamente zur Stimulierung des Eisprungs aus dem Urin von Frauen in den Wechseljahren destilliert werden? Oder dass andere Hormontherapien aus der Pisse von Stuten hergestellt werden, die in einem nahezu konstanten Trächtigkeitszustand gehalten werden? (Fühlen Sie sich nicht dumm; Donna Haraway auch nicht.1) Wunderschön in gedämpften, aseptischen Farbtönen gefilmt, beobachtet die gebrochene Erzählung ruhig ihren verlassenen Protagonisten, der in die Tschechische Republik gereist ist, um eine IVF-Behandlung und Leihmutterschaft zu beantragen. Obwohl die Geschichte direkt aus einer dystopischen Science-Fiction zu stammen scheint, basiert sie tatsächlich auf der Wahrheit: Es gibt tatsächlich eine bioprothetische Maschine in der Größe einer Packung Babytücher, die den weiblichen Fortpflanzungszyklus nachahmt, obwohl genetisch individualisierte Modelle noch in der Entwicklung sind.

Alle Charaktere in Reproductive Exile sind weiß, was die enormen Kosten einer Fruchtbarkeitsbehandlung und den Wunsch ihrer Begünstigten widerspiegelt, ein Kind zu bekommen, das ihnen „ähnlich“ ist, wie der Klinikdirektor mehr als einmal erklärt. Im nächsten Raum der Ausstellung füllte Tabita Rezaires Videoinstallation Sugar Walls Teardom, 2016 – ein rosa Untersuchungsstuhl mit Steigbügeln und einem Videomonitor – den historischen Hintergrund. Inmitten eines Post-Internet-Mash-Ups in leuchtendem Technicolor (Vulkanexplosionen, rauschendes Wasser und schwebende 3D-Modelle von, ja, einer Gebärmutter) würdigt der animierte Text die schwarzen Frauen, die ohne ihre Zustimmung wissenschaftliche Beiträge geleistet haben: Henrietta Lacks, deren krebsartiger Gebärmutterhals Zellen haben im medizinischen Fortschritt der letzten Jahrzehnte eine Schlüsselrolle gespielt; Anarcha, Lucy, Betsey und andere versklavte Frauen, die sich Mitte des 19. Jahrhunderts schrecklichen medizinischen Experimenten durch den sogenannten Vater der modernen Gynäkologie, J. Marion Sims, unterziehen mussten. Das Video endet mit einem mehrminütigen kosmischen Heilungsritual für traumatisierte Gebärmutter.

In dieser Darstellung des autonomen Uterus fehlte jedoch eine nachhaltige Auseinandersetzung mit der Abtreibung. Trotz der zentralen Bedeutung dieses grundlegenden Menschenrechts für jede Diskussion über Fortpflanzung – und seines zunehmend gefährdeten Status, auch in Italien – waren die einzigen Anspielungen darauf die raketenähnlichen RU-486-Pillen und der Kleiderbügel auf Elektra KBs Filzapplikation „Protest“. Zeichen“ (2021–). Besonders abwesend waren auch queere Familien und Transgender-Körper, obwohl diese in Wandbeschriftungen neckend erwähnt wurden (wobei es sich um Werke handelte, die nicht in der Ausstellung enthalten waren).

Die Ausstellung hinterließ den Eindruck, dass Mutterschaft biologisch und nicht relational ist. Insbesondere angesichts der jüngsten Flut von Schriften, die die sexuelle Fortpflanzung bei der Entstehung von Familien verdrängen wollen – unter anderem von Ruha Benjamin, Haraway und Sophie Lewis – war dieses kuratorische Beharren auf traditionellen Formen der Verwandtschaft überraschend und führte zu einer engen Sichtweise zum Thema. Trotz der erklärten Prämisse, über die Biologie hinauszugehen, konzentrierte sich die Ausstellung schließlich darauf.

Die Biologie spielt sicherlich eine zentrale Rolle bei „Cere anatomiche“ (Anatomische Wachse), das bis zum 7. Juli in der Fondazione Prada in Mailand zu sehen ist. Zugegebenermaßen geht es in dieser Ausstellung nicht ausschließlich um Mutterschaft; Vielmehr konzentriert es sich auf die wissenschaftliche Darstellung des weiblichen Körpers im späten 18. Jahrhundert, der durch seine Fortpflanzungsfähigkeit definiert wurde. Die Ausstellung zeigt hyperrealistische Wachsmodelle sowie Dutzende anatomischer Zeichnungen, die aus dem Naturkundemuseum La Specola in Florenz stammen, das wegen Renovierungsarbeiten geschlossen ist. Das 1775, nur wenige Jahre nach den Uffizien, gegründete Museum beherbergte eine der bedeutendsten keroplastischen Werkstätten seiner Zeit. Wachsfigurenkabinetten waren die herausragende Technologie zur Untersuchung der menschlichen Anatomie, als es schwierig war, echte Leichen zur Sektion zu beschaffen (und zu konservieren); Sie sorgten auch für beliebte Unterhaltung (und Spannung), und La Specola war eine wichtige Station auf der Grand Tour. (Die Sammlung wurde vom Marquis de Sade bewundert, der im Jahr der Museumseröffnung nach Italien floh, und die gleichnamige Heldin seiner Juliette [1797] stattet ihm während ihrer Reise in die Region einen respektvollen Besuch ab.)

Wo die hell erleuchteten Räume von La Specola mit Modellen, Zeichnungen und Präparaten vollgestopft waren und an die Ursprünge der Wunderkammer erinnerten, verfügen die Galerien der Fondazione Prada über die großzügige Weite eines luxuriösen Einzelhandelsraums. Im Obergeschoss des Podium-Gebäudes, gehüllt in die prächtigen Grau- und Brauntöne militärischer Aluminiumschaumwände und gestreifter Travertinböden, stehen vier lebensgroße Wachsfiguren weit voneinander entfernt, wie Bombenopfer, die auf Feldbetten in einem fünfstöckigen Bett liegen. Sternenfeldkrankenhaus. Ein Großteil der Galerie liegt im Schatten; Die einzige Beleuchtung kommt von den bewegungsempfindlichen rechteckigen Leuchten, die über jeder Vitrine hängen. Bei den beiden Gelegenheiten, die ich besuchte, waren die Ausstellungen ständig in Dunkelheit getaucht, während ich und die anderen Zuschauer gebannt auf ihre überwältigende, unheimliche Kuriosität starrten.

Im Gegensatz zu anderen anatomischen Modellen dieser Zeit werden diese weiblichen Figuren nicht als Leichen dargestellt. Mit offenen Augen und nach hinten geneigten Köpfen liegen die Wachsfiguren auf rosafarbenen Samtmatratzen, die mit elfenbeinfarbener Seide drapiert sind. Sie wurden wegen ihrer idealisierten Schönheit „Venusen“ genannt – und vielleicht auch wegen ihrer schwachen Versuche der Bescheidenheit (vgl. Botticellis „Geburt von …“) Venus, die Medici-Venus usw.). In der Tat lesen sich einige ihrer zurückhaltenden Posen fast wie eine Anspielung auf schwarzen Humor: Die Beine sind leicht gekreuzt, um einen Punkt des (visuellen) Zugangs zu schützen, während direkt darüber die Oberkörper gespreizt sind – die Brüste werden auseinandergerissen und aufgerissen, während die Innereien nach außen explodieren. Obwohl eine Figur intakt zu sein scheint, kann ihr Mittelteil geöffnet und „seziert“ werden, wodurch Schichten herausnehmbarer Organe und schließlich ein kleiner Fötus zum Vorschein kommen. Weitere neun Wachsmodelle sind Querschnitte der Gebärmutter, die in der Mitte des Oberschenkels abgeschnitten wurden. Diese repräsentieren nicht nur die Schwangerschaft, sondern auch die sexuelle Aktivität der Polizei und unterscheiden die „weibliche Scham einer erwachsenen Jungfrau“ von der „entjungferten weiblichen Scham“.

Es ist ein gruseliges, aber faszinierendes Material, das eine Kontextualisierung erfordert. Leider wird im Rahmen der Ausstellung nicht viel geboten. (Der Türstopper eines Katalogs hingegen umfasst Dutzende Texte, meist Nachdrucke, von Historikern der Wissenschaft, Kunst und visuellen Kultur.) Vielleicht liegt das daran, dass die Ausstellung von David Cronenberg, dem kanadischen Filmregisseur, der sich darauf spezialisiert hat, mitkuratiert wurde im Körperhorror. Sein jüngster Film, Crimes of the Future (2022), schlägt Chirurgie als Performance-Kunst vor und zeigt einen „inneren Schönheitswettbewerb“ – ein Konzept, das erstmals in Dead Ringers, seinem gynäkologischen Thriller aus dem Jahr 1988, vorgeschlagen wurde (der im vergangenen Frühjahr als Miniserie mit einem Original wiederbelebt wurde). Interesse an der Gesundheit von Frauen, abzüglich des straffen Stils des Originals).2 Cronenberg beriet bei der Auswahl der Exponate – laut Miuccia Pradas Einleitung zum Katalog schlug er „eine geschlechtsspezifische Bewertung vor“ – und steuerte einen (sehr) kurzen Film bei.

Letzteres ist leider eine Enttäuschung. Cronenbergs vierminütiges Video ist wunderschön in einem kleinen achteckigen Raum im Erdgeschoss installiert, dessen Holzstege einen doppelseitigen Bildschirm flankieren. Es nimmt die Venusfiguren aus ihren Glasvitrinen und lässt sie digital auf sanft plätscherndem himmelblauem Wasser schweben. (Gerüchten zufolge stellte sich der Regisseur vor, die Figuren würden im Schwimmbad des Château Marmont schaukeln.) Der verrückte Titel „Four Unloved Women, Adrift on a Purposeless Sea, Experience the Ecstasy of Dissection“ (2023) wird durch das unterstrichen Soundtrack, in dem jemand scheinbar einen Wasserhahn laufen gelassen hat, während eine Frau seufzt und schwer atmet – vielleicht in genau den Hörer, mit dem Cronenberg in dem Werk anrief.

Allerdings ermöglicht der Kurzfilm Nahaufnahmen und lebendige Farbtöne, die in der Halbschatteninstallation im Obergeschoss nicht zu sehen sind. Cronenbergs Kamera, träge und pervers, zeichnet langbeinige, durchscheinende Gliedmaßen nach oben, um liebevoll die verschnörkelten, wurstähnlichen Eingeweide zu umschließen, bevor sie zu den glasigen Blicken und leicht geöffneten Lippen der Figuren gelangt. Andere Aufnahmen konzentrieren sich auf die Schnittbereiche, das Zusammentreffen von Epidermis und Eingeweiden; Der entscheidende Punkt inmitten all dieses Fleisches und Gewebes sind die vereinzelten Haarsträhnen, die den wellenförmigen Zöpfen und flauschigen Merkins der Models entgangen sind. Ein weiterer Bonus ist die im Zeitraffer durchgeführte Zerlegung der einzigen vollständigen Venus, die jedoch vor der Enthüllung des Fötus endet. (War dieses wichtige, innerste Detail zu fragil oder einfach zu weit von Cronenbergs Interessen entfernt?)

Trotz der Jahrhunderte zwischen den ausgestellten Werken wiesen die Ausstellungen in Neapel und Mailand merkwürdige Ähnlichkeiten auf. Beide zeigten deutlich abgetrennte Organe. Keines der beiden zeigte über die Geburt hinausgehende Nachkommen. Und Sie werden aus keiner der Sendungen lernen, dass die Schwangerschaft der uninteressanteste Teil der Mutterschaft ist – sie ist nicht einmal eine Voraussetzung. Sicher, das Wachstum eines lebenden Organismus in einem anderen wirkt immer noch seltsam und fremdartig (und fremdartig) und kann daher visuell fesselnd sein. Aber die Beschränkung der Fortpflanzung auf das Sexuelle ignoriert die vielen, vielen Möglichkeiten, die Menschen gefunden haben, um Bindungen zu knüpfen, Familien zu gründen, füreinander zu sorgen und kommende Generationen zu traumatisieren.

Nikki Columbus ist eine in New York lebende Autorin. Ihr Gespräch mit der Schriftstellerin Mirene Arsanios ist in der Sammlung „Why Call It Labour?“ enthalten. Über Mutterschaft und Kunstwerk (Mophradat and Archive Books, 2021).

ANMERKUNGEN

1. „Irgendwie wusste ich als feministische Naturwissenschaftlerin und lebenslange Tierliebhaberin in den Wechseljahren nicht viel über die schwangeren Stuten und ihre entbehrlichen Fohlen“, schreibt Haraway. „Habe ich es vergessen, nie gewusst, nicht hingeschaut – oder es war mir einfach egal? ... Soziale Bewegungen für das Gedeihen von Tieren waren auf diese Pferde aufmerksam geworden und hatten eine sehr wirksame Aufregung darum gemacht, und diese Bewegungen waren voll von feministischen Frauen und Männern. Warum nicht.“ Ich auch? Kamen die Pferde erst in meine Reichweite, als sich herausstellte, dass die Hormonersatztherapie meinem Herzen eher schadete als es schützte?“ Aus Kapitel 5, „Awash in Urine: DES and Premarin in Multispecies Response-ability“, in Donna J. Haraway, Staying with the Trouble: Making Kin in the Chthulucene (Durham, NC: Duke University Press, 2016), 111.

2. Wahre Köpfe können Cronenbergs 2022 NFT „Inner Beauty“ kaufen: ein JPEG der Nierensteine ​​des Regisseurs.